lunes, 23 de marzo de 2015

A caballo regalado... 'Gift horse' de Hans Haacke en Trafalgar Square


Toda obra tiene sus referentes. Estos son los tres 'homenajes' que ha hecho Hans Haacke en su 'Gift horse', que estará colocado hasta mediados de 2016 en el cuarto plinto de Trafalgar Square, Londres:

jueves, 12 de marzo de 2015

Por qué Goya era tan bueno

Comparamos obras de Goya con otras similares de artistas de su época y estilo para descubrir de un vistazo por qué el artista zaragozano es uno de los grandes. Los ejemplos pueden verse en la exposición 'Goya en Madrid' del Museo del Prado (nov. 14 - may. 15).


1.- Estilo moderno:

sábado, 31 de agosto de 2013

Clooney contra el expolio nazi

En diciembre se estrena en Estados Unidos la película 'The Monuments Men', una de las historias más impresionantes sobre el rescate de obras de arte en la II Guerra Mundial. George Clooney y Matt Damon interpretan a dos historiadores que se vistieron de soldados y se metieron en pleno combate para buscar los tesoros robados por Hitler.

'La Adoración del Cordero Místico' de Van Eyck, La 'Madonna de Brujas' de Miguel Ángel y obras de Leonardo da Vinci, Van Dyck y Vermeer acabaron en manos de los nazis, que pretendían hacer un gran museo con las grandes obras que iban saqueando allá por donde pasaban.

La mayoría se escondieron en una mina subterránea secreta cerca de Altaussee (Austria), donde estaban a salvo de bombardeos. El ejército aliado creó un grupo especial de soldados, la sección de Monumentos, Bellas Artes y Archivos, con la misión de encontrar y proteger esos tesoros en peligro. No eran militares, sino historiadores del arte y expertos universitarios, pero aún así se metieron en el campo de batalla buscando pistas que les llevaran hasta la mina secreta.

Sufrieron el desprecio de sus propios compañeros que no entendían por qué, mientras ellos morían en el frente, se derrochaban medios para buscar cuadros y esculturas. Hoy, la fundación que lleva su nombre (Monuments Men Foundation) trabaja por mantener el recuerdo de estos héroes de guerra. Quien quiera saber más, además de la película, hay un libro con toda la historia al detalle: The Monuments Men, de Robert M. Edsel (Editorial Destino).

viernes, 16 de agosto de 2013

Expo Dalí (Reina Sofía): ¿Es para tanto?


En una carretera de entrada a Madrid, debajo de un puente, hay pegado un cartel de la exposición de Dalí en el Reina Sofía. Ahí está, al lado del anuncio de un concierto de Juan Magán. Al principio llama la atención que un museo tan culto y sofisticado se publicite como un evento más del ocio 'popular' y masivo. Pero, ¿quién de los tres es el mayor ídolo pop? A juzgar por las colas que ha formado este verano en Madrid, Dalí es el que gana. Su muestra es la más visitada en la historia del Reina Sofía, con filas de más de dos horas para entrar a verla.

Pero, ¿es para tanto la exposición? Sí y no. Quienes ya conozcan cosas de Dalí y sepan leer más o menos los jeroglíficos de sus cuadros, la disfrutarán mucho. Sin embargo, aquellos que no estén iniciados probablemente saldrán decepcionados.

Los comisarios han eliminado de la exposición al Dalí loco, mediático y provocador porque consideran que esta faceta ha eclipsado con los años al pensador revolucionario que realmente era. Ventaja: hace un análisis más profundo y serio del que se había hecho hasta ahora del artista catalán. Inconveniente: la muestra ha perdido gran parte de la 'diversión' que uno espera del Dalí 'popular'. Para encontrarla hay que ir a su Teatro-Museo de Figueras, diseñado por él mismo.

Así que he aquí la gran paradoja: una de las exposiciones más 'sesudas' y minoritarias del Reina Sofía, ha terminado siendo el mayor éxito de público de su historia. ¿Por qué? Quizá se deba a que vamos a los museos como quien va a un concierto de Juan Magán: no a conocer obras nuevas, sino a "reconocer" las piezas más famosas que conocemos por la tele.


Ficha de la exposición.

jueves, 15 de agosto de 2013

Brad Pitt salva a Goya de la destrucción



El mundo es atacado por zombies y hay que poner a salvo en un portaaviones a las personas y objetos más valiosos para la humanidad. Sólo caben unos pocos cuadros, ¿cuál salvarías? Los autores de "Guerra Mundial Z" han elegido "Los fusilamientos (El 3 Mayo en Madrid)" de Francisco de Goya. En la película se ve muy fugazmente cómo, cuando Brad Pitt llega al barco, varios soldados están trasladando el lienzo. 

¿Por qué el director, Marc Foster, decidió incluir esta obra en la historia? Su tono apocalíptico pega muy bien con la película: aparece en un momento en el que los humanos, acosados por los muertos vivientes, parece que van a ser aniquilados como los rebeldes españoles que pintó Goya. Pero tal vez tenga un mensaje subliminal mucho más optimista, porque recordemos que el bando de los fusilados en el cuadro acabó echando a los franceses y ganando la guerra...

Esta no es la única película que homenajea a Goya últimamente. La trama de "Trance", de Danny Boyle, gira en torno a "Vuelo de brujas", un lienzo del artista aragonés que conserva el Museo del Prado. El equipo de la película viajó a Madrid para copiarlo bajo la supervisión de expertos de la pinacoteca. Una prueba más de que Goya sigue siendo tan moderno como hace 200 años.

martes, 30 de octubre de 2012

James Bond se va a la National Gallery

Antes de empezar, tranquilos. No voy a desvelar nada sobre la trama de Skyfall. Esto es simplemente una pista para entender mejor uno de los guiños artísticos de la última película de James Bond.

En un momento de la trama, el agente 007 tiene una cita con Q en la National Gallery de Londres para recibir nuevas armas para su misión. Bond ha decidido volver a la acción después de una buena temporada retirado y está en baja forma. Le preocupa estar haciéndose viejo y se sienta delante de un cuadro que refleja muy bien esos sentimientos: "El Luchador Temerario" (1839) de J. M. W. Turner.

La obra cuenta el último viaje de El Temerario, un navío de combate que luchó con la flota del almirante Nelson en la Batalla de Trafalgar (1805). El viejo barco, destartalado después de cumplir su misión, es arrastrado por un remolcador hasta la costa, donde será desguazado para vender su madera al peso.

El antaño temible velero aparece en esta pintura como un fantasma (blanco, muerto e inservible) que tiene que ser remolcado por una moderna máquina a vapor. La fea modernidad (oscura, sucia y humeante) ha vencido al ya inútil pasado. Turner representa así el implacable paso del tiempo, que no perdona por muy bonitos recuerdos que tengamos de él. El artista, que tenía ya 64 años, plasma en medio de un simbólico atardecer (el ocaso de la vida) su miedo a la vejez y a perder sus cualidades como pintor.

Estos mismos temores son los que Sam Mendes, director de Skyfall, quiere reflejar en ese maduro James Bond, que se para a meditar frente a este cuadro. Sin embargo, aunque entrado en años y quizá un tanto desfasado, la elegancia y experiencia indiscutible del viejo velero (como la del maduro 007) pueden resultar mucho más eficaces que la nueva y a veces vulgar forma de hacer las cosas. En definitiva: que la veteranía es un grado.
 

domingo, 21 de octubre de 2012

Louise Bourgeois: amor y dolor de una madre

- Exposición "Louise Bourgeois: Honni soit qui mal y pense" en La Casa Encendida (Madrid). Hasta el 13 de enero de 2013.

Cuando tenía 10 años, Louise Bourgeois descubrió que su padre engañaba a su madre con su niñera. Eso provocó en la pequeña un trauma que duró toda su vida y que sólo lograba aliviar mediante el arte. De ahí su obsesión con esculpir genitales masculinos, a los que clavaba agujas y troceaba constantemente. Quienes la conocieron aseguran que sus obras son fruto de una mente patológica.

La traición sufrida por su madre también puede verse en las esculturas y dibujos de Bourgeois: mujeres vulnerables, encerradas en su casa como en prisiones, obligadas a cuidar de sus hijos sin la ayuda del marido, sintiendo cómo sus vidas se desperdician en la cocina.

Para Louise Bourgeois las madres son como arañas y así las representa en algunas de sus obras más famosas, como la que puede verse junto al Museo Guggenheim de Bilbao (también hay una en la cafetería del Reina Sofía, en Madrid). Son al mismo tiempo cariñosas y temibles: tejen telas que protejen a sus crías del ataque de depredadores, pero a la vez son despiadadas herramientas asesinas con las que cazan a sus presas para alimentar a los pequeños.

Bajo las enormes patas de sus esculturas arácnidas (llamadas Maman) nos sentimos cobijados pero también inquietos ante su fuerza y aspecto inquietantes. Así ve ella a las madres: abnegadas y amorosas protectoras de sus hijos pero capaces de todo si alguien les ataca.

Como las arañas, la madre de Louise también tejía: trabajaba como costurera restaurando tapices. De ahí que en muchas obras de Bourgeois aparezcan trozos de tela cosidos y utlice la aguja como símbolo.

Ésta, igual que la araña, también proteje y amenaza a la vez: los puntos de sutura, aunque duelen, son la cura más eficaz ante las heridas. Por eso sus personajes están hechos con fragmentos de tejido unidos a base de puntada e hilo: reconstruye recuerdos dolorosos (como agujas que se clavan) para tratar de aliviar su mente enferma (a base de suturas que logren cicatrizar las heridas).


- Exposición "Louise Bourgeois: Honni soit qui mal y pense" en La Casa Encendida (Madrid). Hasta el 13 enero de 2012.



Escucha la entrevista a la comisaria de la exposición, Danielle Tilkin, en la sección de arte de Pablo Ortiz de Zárate en el Hoy por Hoy Madrid de la Cadena SER: